“Mantra-Rock Dance”: a melhor trip de sempre aconteceu há 50 anos
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Paulo André Cecílio

Foi a 29 de janeiro de 1967 que se deu um dos eventos mais importantes dos primórdios do sonho hippie. O Mantra-Rock Dance reuniu em São Francisco milhares de pessoas e vários elementos, hoje icónicos, da contracultura dos anos 60.

29 jan. / 2017 - Summer Of Love: a expressão entrou no léxico e no imaginário de milhões de adolescentes por todo o mundo após 1967, o ano em que se sentiu verdadeiramente que este poderia mudar para melhor, ser mais justo, viver na paz consigo e com os homens e, especialmente, entre os homens – antes de uma realidade brutal cujos nomes são Vietname, Richard Nixon e Altamont (entre muitos outros) tomar conta da sociedade em geral e determinar o fim do sonho hippie. Em muito contribuiu, para este desígnio, a cultura psicadélica, a sua música, as suas drogas, os seus esoterismos e teologias várias; estávamos nos anos 60 e parecia que tudo poderia acontecer ou vir a acontecer.

Este Verão De Amor, ou do amor, durou o que pareceu uma eternidade – e foi composto de diversas manifestações, umas mais lembradas do que outras, todas fluindo para o mesmo poço. Uma delas teve lugar em São Francisco, capital de facto desta gigantesca nação hippie, que acolheu, há precisamente 50 anos, aquele que foi um dos primeiros festivais de música da história da pop, o Mantra-Rock Dance, que teve lugar no extinto Avalon Ballroom. Nomes a reter: Grateful Dead, Big Brother and the Holding Company com Janis Joplin, Moby Grape (na música), Allen Ginsberg (na fama), Timothy Leary (no LSD) e, o mais importante, A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada.

É difícil pronunciá-lo sem se saber articular a língua sânscrita, mas foi este homem o impulsionador do Mantra-Rock Dance e, por conseguinte, do “Verão Do Amor” - não será difícil imaginar que, sem este evento, o mundo hippie teria seguido um caminho totalmente distinto. Prabhupada era, à altura, figura de proa daquilo que viemos a conhecer como Hare Krishna, movimento religioso hindu parodiado de forma incessante por comédias atrás de comédias (como esta), tendo chegado a Nova Iorque em 1965 para propagar os seus ensinamentos, e criando o seu primeiro templo nessa cidade.

A contracultura não lhe era alheia, nem ele a ela. Dois dos seus seguidores, Mukunda Das e Janaki Dasi, mulher deste, abriram posteriormente um novo centro espiritual na costa oeste, precisamente em São Francisco, que então começava a sentir os primeiros sopros da revolução hippie e da sua abertura a novas religiões. De forma a espalhar a palavra do seu mestre pela zona de Haight-Asbury, icónico distrito dessa cidade californiana prenhe de uma juventude sedenta, decidiu-se que seria organizado um concerto de angariação de fundos para o templo, onde o rock seria auxiliar da procura pela paz interior. Prabhupada foi, logicamente, convidado a assistir ao mesmo – ainda que alguns dos seus seguidores em Nova Iorque se tenham oposto à sua presença «num antro de guitarras amplificadas, baterias ribombantes, espetáculos de luzes selvagens e centenas de hippies drogados»...

As drogas não eram para Prabhupada uma prioridade, bem pelo contrário; eram probidas, bem como a promiscuidade, algo que não relacionamos diretamente com a cultura hippie ou a visão estereotípica que temos da mesma. Nada que enraivecesse , que já à altura era um poeta respeitado, e que havia ajudado o mestre a extender a sua estadia nos Estados Unidos. A viagem de Ginsberg à Índia, anos antes, havia deixado em si uma boa impressão da teologia hindu e, especialmente, do mantra "Hare Krishna" (um poema de quatro linhas e oito sílabas, a saber: hare kṛṣṇa hare kṛṣṇa / kṛṣṇa kṛṣṇa hare hare / hare rāma hare rāma / rāma rāma hare hare), que adoptou e que recitava, argumentando deixá-lo «num estado de êxtase». Ginsberg pretendia que Prabhupada, os seus ensinamentos, e em especial o mantra fizessem parte do movimento hippie. E convidou amigos, como Timothy Leary, professor, neurocientista e psicólogo que preconizava os efeitos terapêuticos do LSD, para o evento, que ajudou também a organizar.

Faltavam as bandas, todas do estado da Califórnia: os Grateful Dead, que se tornariam mais tarde, eles próprios, quase como que uma religião, e que tiveram aqui um dos seus primeiros concertos de maior envergadura; os Big Brother and the Holding Company, onde pontificava uma jovem Janis Joplin, ainda antes da fama; e os então desconhecidos Moby Grape, que viriam a ser, também eles, uma das bandas mais acarinhadas dos e pelos anos 60. Marcou-se o evento para um domingo – uma escolha «estranha», afirmou então Chet Helms, responsável pelo Avalon. Preço dos bilhetes: uns “míseros” dois dólares e meio.

O recinto não tardou a encher, naquela noite. Cerca de três mil jovens foram-se juntando dentro da sala de espetáculos, e muitos mais ficaram de fora, à espera que alguém “desistisse” para poder entrar. O público era recebido com prasad – comida santificada -, um termo religioso que mais não dava nome que a alguns gomos de laranja. O consumo de drogas foi proibido, mas a atmosfera cedo ficou impregnada do inconfundível cheiro a marijuana, entre outras substâncias inodoras. Mas havia paz; de espírito, de corpo, de mente. O público vestia-se com roupas tribais, ponchos mexicanos, penas, colares. Alguns levaram os seus próprios instrumentos. Os Hell's Angels, que dois anos mais tarde matariam um jovem negro em Altamont e, com ele, o mundo hippie estavam encarregues da segurança. Ouviu-se o mantra "Hare Krishna", ouviram-se os Moby Grape, e Prabhupada entrou em cena, sendo aplaudido de pé por todos os presentes, por volta das dez da noite. Gurudas, amigo de Mukunda Das que também ajudou na organização do Mantra-Rock, descreveu depois a cena: «à medida que ele se aproximou do palco, a multidão afastou-se e deixou-o passar, como um surfista numa onda. Parecia um ancião védico, exaltado e de outro mundo». Foi ele quem liderou aquele público durante os cânticos religiosos que se fizeram então ouvir, após o pedido de Ginsberg para que este «mergulhasse nas vibrações sonoras e pensasse na paz».

O legado deixado pelo Mantra-Rock – que só terminaria de madrugada, ou não estivéssemos a falar (também) de um festival de música... – foi imediato, para todos os envolvidos. O poeta explicaria, mais tarde, que o evento «foi o ponto alto do entusiasmo espiritual de Haight-Asbury, a primeira vez que existiu uma cena musical em São Francisco da qual todos podiam fazer parte», e os historiadores daquele período descrevem-no, claro, com recurso a palavreado psicotrópico: the ultimate high, ou a melhor trip de sempre. Os Moby Grape profissionalizaram-se, e abririam para os Doors, nesta mesma Avalon. O templo reuniu cerca de dois mil dólares e angariou centenas e centenas de fiéis. Na sua generalidade, o movimento hippie adoptou o mantra, e o movimento Hare Krishna passou a ser reconhecido pelo público norte-americano. Mas isto foi apenas o começo, o primeiro passo do “Verão Do Amor” - que se iniciaria, oficialmente, com o Monterey Pop Festival, em junho desse ano. Muita água (ou muito amor, ou muita paz, ou muito LSD...) iria ainda correr.

Whatever happened to Cosmic Aeroplane?
by Christopher Smart / The Salt Lake Tribune / http://local.sltrib.com/online/sw/cosmic/

One pill makes you larger, and one pill makes you small
And the ones that mother gives you, don’t do anything at all
Go ask Alice, when she’s 10 feet tall.
“White Rabbit,” Jefferson Airplane, 1967.

The embryonic hippie counterculture within the straight-laced confines of 1967 Salt Lake City was embodied by Cosmic Aeroplane, a little shop that embraced the coming age of mind expansion.

It sold stuff that you couldn’t find at Deseret Book or even Sam Weller’s Zion Bookstore. With alternative literature, posters and music, it grew into the youth movement’s unofficial Utah headquarters through the 1970s and even into the ’80s.

Describing the period and its convulsions to millennials is practically impossible — no computers, cellphones or apps. And no music downloads — people bought entire albums on pizza-size vinyl discs. Social media was a bulletin board littered with thumbtacked messages and fliers.

It was a vibrant and wild time, the era of long hair, the Vietnam War, the civil rights movement and the Nixon White House — and Cosmic Aeroplane, like the country, morphed over those tumultuous years.

Photo courtesy Mike Evans
Cosmic Aeroplane owner Steve Jones outside the store at 369 W. South Temple, where it was located from 1969-1974.

The shop blossomed from a small interest that sold edgy books and hard-to-get comics and posters to a full-blown enterprise noted for its jewelry, records and head shop [read: drug paraphernalia peddler], as well as its broad inventory of books, including tomes on transcendental meditation, New Age healing and metaphysics. And, of course, lots of philosophy, including books such as Zen And The Art Of Motorcycle Maintenance.

Ex-New Yorker Steve Jones hatched Cosmic Aeroplane in Utah’s capital at the very time the Summer Of Love was unfolding in San Francisco. Jones’ endeavor tapped into the youth movement that sought to tear away from societal norms with the aid of music, drugs and fashion. Some followers called for “free love,” while others claimed the mantra “sex, drugs and rock ’n’ roll.”

The counterculture was set against a national landscape dominated by marches and protests, assassinations, and the drumbeat of young Americans coming home in body bags.

The movement was quieter in Utah, but the people nurturing its spirit at Cosmic Aeroplane were thoughtful and creative, recalled Mike Evans, who bumped into the place in his youth at its original location, 871 E. 900 South.

“It was more than what I was expecting,” he said recently. “There were left-wing publications, like Ramparts, and the East Village Other was only 75 cents.”

Photo courtesy Mike Evans This wall at the 369 W. South Temple location of Cosmic Aeroplane was painted by artist Richard Taylor, who went on to do light shows for rock groups like the Grateful Dead and Led Zeppelin. Taylor was also the visual effects supervisor for the 1980s movie Tron.

Photo courtesy Mike Evans Cosmic Aeroplane interior at the 258 E. 100 South location. The store was here from 1976-1991.

Photo courtesy Mike Evans This photo shows Cosmic Aeroplane staff with the staff of Mother Earth's Things, a clothing store also in the 9th and 9th neighborhood.

Photo courtesy Ken Sanders Ken Sanders organizes comic books at the 258 E. 100 South Cosmic Aeroplane location.

Photo courtesy Mike Evans Steve Jones is seen behind the counter at the 366 S. West Temple location. The store was here from 1974-1976.

Photo courtesy Mike Evans Steve Jones is seen with his "public piano" at the 366 S. West Temple Cosmic Aeroplane location. The store was at this site from 1974-1976.

Just as important were the used records to be scooped up for a song. Jones wore long hair and a beard and usually was clad in denim. He was quiet and soft-spoken, Evans said. “Steve Jones was well-read and was up on a lot of different topics.”

His partner at that time, Sherm Clow, was an exuberant force who balanced the subdued Jones. Clow also was known as the Rev. Willis of the Universal Life Church. Evans remembered the reverend marrying a lot of couples — usually to the beat of the era’s new anthems, ranging from dreamy to rebellious.

Clow also was fond of writing funny titles on the spines of used books that had lost their covers, Evans noted. It added a bit of ridiculous uncertainty, and Jones couldn’t stop his partner’s shenanigans.

Many young people gravitated to the place for its wares and to hang out and catch the vibe. It was both heavy and lighthearted.

The first thing you saw as you entered was a sign, Evans said. “We do not know how to get drugs of any kind,” it read. “If you don’t understand this, read it again.”

Photo courtesy Ken Sanders
Ken Sanders at the 258 E. 100 South Cosmic Aeroplane location in 1979.

Special place in history
For Ken Sanders — who has long since become the proprietor of Ken Sanders Rare Books — Cosmic Aeroplane holds a special place in Salt Lake City history.

In 1969, Sanders recalled, Jones moved the shop to 369 W. South Temple, near the Union Pacific Depot in what was then a sketchy neighborhood. The building was big, and the rent was not.

Jones let Sanders set up his own comic-book and magazine rack. The cavernous space could accommodate a lot of activities, including counseling for young men who wanted to dodge the military draft. It was even big enough to allow performances by the Human Ensemble Theater, an experimental dancing and acting troupe.

Although Cosmic Aeroplane was drawing more customers, Sanders remembered, it operated on a shoestring.

“Steve was chronically broke in those days,” he said. “He’d borrow 50 bucks to get merchandise from Greyhound that was shipped in from the coast c.o.d.,” or cash on delivery.

In 1974, Jones again moved the shop, this time to 366 S. West Temple, where Cosmic Aeroplane became a bit more visible and financially viable. A few months later, in 1975, Jones took Sanders in as a partner, along with Bruce Roberts, who had a reputation as a champion for civil rights.

Photo courtesy Mike Evans This 1967 flier announces the opening of Cosmic Aeroplane at its first location in Salt Lake City's 9th and 9th neighborhood.

Photo courtesy Mike Evans This Cosmic Aeroplane flier features artwork by former Salt Lake Tribune artist Neil Passey.

Photo courtesy Mike Evans Sign from the original Cosmic Aeroplane at 871 E. 900 South. The store was here from 1967-1969.

But it wasn’t until 1976, when the enterprise landed at 258 E. 100 South, that Cosmic Aeroplane took its place as Utah’s thriving center of the counterculture wave that was about to crest.

Robert G. “Bones” Green said he recalls the aroma of patchouli oil and incense like it was yesterday, recalling how he strolled into the shop looking for his fix of “Wonder Wart-Hog” comic books, known for their swipes at power brokers.

“In Salt Lake, there weren’t many places where you could gather with that kind of crowd,” Green said. “It was a little bit like San Francisco, but laid back.”

The counterculture was built upon the events of the 1960s. According to Sanders, that decade was bookended like this: It began between the Nov. 22, 1963, assassination of President John F. Kennedy and the Feb. 9, 1964, appearance of the Beatles on “The Ed Sullivan Show.” It ended between the Aug. 9, 1974, resignation of President Richard M. Nixon and the fall of Saigon (in what was South Vietnam) on April 30, 1975.

Financial success
Cosmic Aeroplane just kept on truckin’. On 100 South, everything came together.

“All of a sudden, we signed this lease, like we were grown-ups,” Sanders said of Cosmic Aeroplane’s new digs. “It was like Mr. Toad’s Wild Ride. We didn’t have a clue what we were doing.”

The little neighborhood between 200 East and 300 East on 100 South was humming. Stephen Holbrook launched the KRCL-FM radio station upstairs in the building next door. And the alternative art house theater, The Blue Mouse, took residence in its basement.

By 1981, Cosmic Aeroplane made gross sales of over $1 million, Sanders said. The place always had been a hit for those who frequented the store, but it became a sudden, bona fide financial success.

Incredibly, that’s when Sanders sold out, believing Roberts wanted to take Cosmic Aeroplane in a new direction.

One year later, Jones, too, was bought out by Roberts.

Photo courtesy Mike Evans Cosmic Aeroplane exterior from the 258 E. 100 South location. The store was here from 1976-1991.

Photo courtesy Mike Evans Sign from the original Cosmic Aeroplane at 871 E. 900 South. The store was here from 1967-1969.

Photo courtesy Mike Evans Cosmic Aeroplane exterior at the 258 E. 100 South location. The store was here from 1976-1991.

Cosmic Aeroplane lasted another 10 years, although its glory slipped year by year. The 1960s were not only over, but so were the ’70s. The plague of disco music had come and gone, and the world had changed.

But Cosmic Aeroplane lives — sort of. It cultivated fans and employees who went on to launch Catalyst magazine, Blue Boutique, Salt Lake Acting Company and other enterprises.

That raucous time and place remains in the memories of people who were once and forever young.

Roberts died in March 2010, and Jones followed last month.

Greta deJong, who launched Catalyst after her days at Cosmic Aeroplane, summed up the counterculture aura that surrounded the shop in Salt Lake City: “It drew it and nurtured it, and, you could say, it created it,” she said. “It was pretty magical.”

Photo courtesy Mike Evans
This picture by local photographer Steve Midgely shows Cosmic Aeroplane when it was closing down in 1991.

Cultura - Arte

Fotografía de Susan Sontag tomada por Hujar en 1975 - PETER HUJAR

Peter Hujar, memoria gráfica de la contracultura neoyorquina
La Fundación Mapfre de Barcelona dedica la primera gran retrospectiva al fotógrafo estadounidense

DAVID MORÁN - Dmoranb Barcelona / http://www.abc.es/cultura/arte/abci-peter-hujar-memoria-grafica-contracultura-neoyorquina-201701270042_noticia.html

27 jan. / 2017 - Su nombre no ha brillado con la misma intensidad que el de, pongamos, su admirado Richard Avedon o el de ese Robert Mapplethorpe del que siempre desconfió por ambicioso y arribista, pero su mirada supo filtrar como pocas todos los brillos y matices de la contracultura que se arremolinaba en los márgenes del Downtown neoyorquino en los años sesenta y los setenta.

Suya es, sin ir más lejos, la imagen de Candy Darling –sí, la de «Candy Says» de The Velvet Underground– en su lecho de muerte que ilustraba la cubierta del disco «I Am A Bird Now», de Antony & The Johnsons; y suyo es también el célebre retrato de Susan Sontag fingiendo meditar «sobre su propia mortalidad» , uno de los muchos reclamos de «A la velocidad de la vida», completa retrospectiva que reúne en la Fundación Mapfre de Barcelona 160 instantáneas del fotógrafo estadounidense.

Candy Darling en su lecho de muerte- PETER HUJAR

Siguiendo los pasos de Diane Arbus y buscando la belleza en los primeros planos al natural, el retrato como espejo del alma y la carne magullada como reflejo de la propia vida, Peter Hujar, nacido en 1934 y fallecido en 1987 víctima del sida, empezó trabajando como fotógrafo de moda para revistas como «Harper’s Bazaar» y «GQ», fue uno de los satélites volantes de la Factory de Andy Warhol y acabó transformando su fracaso profesional en uno de sus mayores logros. «La ausencia de éxito comercial le permitió explorar todas la caras de la fotografía», subraya Joel Smith, conservador de fotografía de la Morgan Library neoyorquina y comisario de una exposición que, tras su paso por Barcelona, viajará a La Haya y Nueva York.

Es por eso que, además de convertirse en el fotógrafo que «con mayor fidelidad retrató la escena neoyorquina», en palabras de Smith, Peter Hujar destacó por su capacidad de enfrentarse con idéntico entusiasmo y dedicación a todo aquello que se pusiese delante de su objetivo, ya fuese un perro embarrado, un puñado de escombros de una casa de Newark, desnudos anónimos o prominentes figuras culturales como William S. Burroughs, Isaac Hayes o Moondog, entre muchos otros. «Entendía que todo aquello que fotografiaba era único y original», apunta Smith, para quien una de las claves del Hujar retratista era la intimidad que era capaz de arrancar a cada uno de sus trabajos. «Podía utilizar diecinueve o veinte carretes para un único retrato buscando capturar la naturalidad», añade el comisario.

«Gary In Contortion«, de 1979- PETER HUJAR

Escapando de los rigores del relato cronológico y reivindicándose como la mayor exposición que se la dedicado a Hujar no sólo en España, sino en todo el mundo, «A la velocidad de la vida» explora también las escapadas del fotógrafo a Italia, donde estudió cine durante un año sin decírselo a nadie, así como sus conexiones con la escena gay y drag queen, sus aportaciones al Frente de Liberación Gay o sus inicios poco convencionales, ya que fue uno de los pocos fotógrafos de su generación que se formó como tal: estudió en la High School of Art & Design neoyorquina, donde una clase magistral de Richard Avedon alimentó aún más sus ganas de capturar la belleza entre los escombros.

El Indio Solari cumple 68 años: una vida de rock y contracultura
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17 jan. / 2017 - Carlos Alberto “Indio” Solari nació en Paraná (Entre Ríos) el 17 de enero de 1949. Fue, junto a Eduardo “Skay” Beilinson, la figura más importante de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda emblemática del rock argentino entre comienzos de los ’80s y los ’90s.

De muy pequeño, sus padres se mudaron a La Plata, donde pasó toda su infancia y adolescencia. Desde joven estuvo ligado al arte: era aficionado al dibujo y las artes gráficas. En 1966 fue alumno de la Escuela nº 33 de La Plata donde conoció al baterista Isa Portugheis, su gran amigo de la infancia. También comenzó a relacionarse con Guillermo Beilinson. Estos dos participaban de Diplodocum Red & Brown, una banda de movimiento cultural de finales de los 60.

El Indio conoció, en ese entonces, a Eduardo Beilinson, hermano de Guillermo, apodado Skay, con quien comenzaron a componer canciones como “Mariposa Pontiac”, “Blues del noticiero” y “Un tal Brigitte Bardot”, que luego fueron éxitos de Los Redondos, algunos nunca editados.

Pese a que jamás fue un miembro estable, Solari participaba de La Cofradía de la Flor Solar, la comunidad hippie fundada por el artista plástico Rocambole (Ricardo Cohen). En una gira por el norte de Argentina, junto a Skay y a otros músicos, concretaron el proyecto de Patricio Rey, que se plasmó recién en un disco debut (Gulp!) en 1985.

Disueltos por diferencias Los Redondos en 2001, el Indio le dio forma a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, banda de solista compuesta por, entre otros, Gaspar Benegas y Baltasar Comotto en guitarras, Marcelo Torres en bajo, Hernán Arramberri en batería, Alejo von der Pahlen y Sergio Colombo en saxo, Ervin Stutz y Miguel Ángel Tallarita en trompeta y trombón y Pablo Sbaraglia en teclados.

El primer trabajo solista del Indio Solari, grabado en su casa de Parque Leloir, fue El Tesoro De Los Inocentes (bingo fuel)” que fue lanzado en 2004. El disco fue presentado el 12 y 13 de noviembre de 2005 en el Estadio Ciudad de La Plata y en diciembre en Montevideo, Uruguay.

El segundo disco de Solari fue Porco Rex, que salió a la venta en diciembre de 2007. Entre los 13 tracks se destacó “Veneno Paciente”, cantado a dúo con Andrés Calamaro (aunque acreditado al “Inefable Señor Gama Alta”). Presentó el material en vivo el 12 de abril de 2008, en el anfiteatro de Jesús María, Córdoba.

La gira de Porco Rex finalizó los días 20 y 21 de diciembre en el Estadio Único de La Plata junto con el propio Andrés Calamaro, que subió al escenario para cantar tres canciones: “Veneno Paciente”, “El Salmón” de Andrés y “Esa Estrella Era Mi Lujo”, de Los Redondos.

El día 19 de septiembre de 2009, se presentó en el estadio Padre Martearena de Salta ante más de 35 mil espectadores, reviviendo viejos temas de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota como “Todo Un Palo”, “El Arte Del Buen Comer” y “Fuegos De Oktubre”, entre otros.

También circulaban rumores sobre la preparación del más ambicioso de sus proyectos: la edición de un DVD, con imágenes de sus presentaciones en vivo con los discos El Tesoro De Los inocentes y Porco Rex, pero nunca llegó a editarse.

El Indio Solari se presentó, tal cual cómo lo hizo el 5 de julio de 2008, el 13 de noviembre de 2010 en el Hipódromo de Tandil, siendo su único show en el año de ese año, luego de un importante silencio.

Pocos días después, el 30 de noviembre de 2010, salió a la venta su tercer material solista: El Perfume De La Tempestad, en el que apareció autodenominado como “Caballo Loco”. El disco fue presentado en sociedad en una entrevista con Mario Pergolini en su programa de la radio Rock & Pop.

En 2011 Solari realizó tres recitales en el marco de la presentación de El Perfume De La Tempestad. El 26 de marzo en el Estadio Padre Ernesto Martearena de Salta, el 3 de septiembre en el Autódromo Eusebio Marcilla de Junín y el 3 de diciembre en el Hipódromo de Tandil.

Un dato curioso es que la revista económica Forbes publicó un ranking de los músicos argentinos más adinerados y el Indio figuraba como el más rico con una fortuna de 13 millones de dólares, aunque Solari emitió un comunicado en el que negó la información de la publicación.

El 14 de septiembre de 2013, Solari protagonizó el show con más entradas vendidas en la historia del rock argentino, con más de 120.000 espectadores en el autódromo Penna, en la ciudad de San Martín (Mendoza), que presenciaron el recital en medio de una tormenta de aguanieve y temperaturas bajo cero.

En diciembre de ese año presentó Pajaritos, Bravos Muchachitos, su cuarto disco. Grabado en su propio estudio Luzbola, contó con la participación de los ex Redondos Semilla, Sergio Dawi y Walter Sidotti.

En junio de 2015, Indio habló con Mario Pergolini a través de Vorterix y reveló que su salud se debilita al punto de alejarlo definitivamente de los escenarios. “Tengo una enfermedad malvada que hay que tener en cuenta”, explicó.

En agosto de ese año se estrenó el documental que se filmó durante el cierre de la gira Porco Rex de 2008, en el Estadio Ciudad de la Plata ante más de 90.000 espectadores, fue en el estadio porteño Luna Park.

El próximo 11 de marzo, el Indio volverá a subir al escenario para encender el pogo más grande del mundo, esta vez en nuestra ciudad, Olavarría.