O IRMÃO DE PAUL McCARTNEY, MIKE, ERA O BATERISTA ORIGINAL DOS BEATLES | ENTRETENIMENTO

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 12 DE OUTUBRO / 2022 – O irmão de Sir Paul McCartney, Mike McCartney, era o baterista original dos Beatles, mas perdeu o show de sua vida.

 O irmão mais novo Mike, de 78 anos, revelou que ele foi a primeira pessoa a pegar as baquetas atrás de dois dos eventuais Fab Four – Paul e John Lennon – quando eles começaram como The Quarrymen, mas depois que ele quebrou o braço no acampamento dos escoteiros, ele ficou com danos nos nervos, o que significava que seus dias de bateria haviam acabado.

 Quando perguntado se ele havia sido o baterista original dos Beatles em uma entrevista exclusiva ao BANG Showbiz, ele respondeu: “Sim”.

 Explicando ainda mais a situação, Mike disse: “Eu era o baterista dos Beatles, mas quebrei meu braço nos Scouts. Foi quando John costumava vir para a casa em Forthlin Road com The Quarrymen, antes mesmo de George estar lá. Eu quebrei meu braço no acampamento e isso afetou os nervos que controlam o pulso. Eles estavam mortos.

 “Eu tive que colocar choques elétricos e coisas quentes no meu braço para recuperar os nervos. Por alguns anos, tive que usar uma cinta de suporte com um fio.

 “Se eu não tivesse quebrado meu braço, eu teria sido um Beatle. Mas eu quebrei meu braço e não sou um Beatle. Você sempre tem que lidar com a realidade, não com sonhos.”

 Depois que o guitarrista George Harrison se juntou à banda, foi o baterista Pete Best que conseguiu o trabalho de se apresentar com os Beatles quando eles foram para Hamburgo, na Alemanha, antes de ser demitido do grupo em 1962 e finalmente substituído por Ringo Starr, que completou a linha. à medida que a Beatlemania varria o mundo.

Em vez de se arrepender do que poderia ter sido, Mike se reinventou com o nome artístico de Mike McGear e formou o trio The Scaffold com Roger McGough e John Gorman, apresentando comédia, música e poesia.

The Scaffold teve vários sucessos nas paradas entre 1966 e 1974, incluindo o 1968 UK Christmas Number One ‘Lily the Pink’ e o single de 1967 ‘Thank U Very Much’, que era a música favorita da falecida rainha Elizabeth, a rainha mãe e ex-primeira britânica. Ministro Harold Wilson.

Mike derramou: “Eu escrevi ‘Thank U Very Much’. Era o disco favorito da rainha-mãe e do primeiro-ministro Harold Wilson. E então eu escrevi a mais odiada… era uma música chamada ‘Yesterday’s Men’ sobre seu governo deposto”.

Mike também é um renomado fotógrafo e publicou livros documentando os primeiros anos dos Beatles e do grupo nos bastidores e em turnê, e em 2005 ele exibiu uma coleção de fotografias que havia tirado na DÉCADA DE 1960 intitulada MIKE McCARTNEY’S LIVERPOOL LIFE.

Seu último livro, MIKE McCARTNEY’S EARLY LIVERPOOL, é uma visão sobre a reconstrução de Liverpool após a Segunda Guerra Mundial e como, devido à explosão cultural da cena Merseybeat e da vida noturna, Liverpool foi firmemente colocada no mapa cultural do Reino Unido. Mike documentou esse período crucial como ele o experimentou e agora revela muitas imagens não vistas / não publicadas de sua coleção pessoal e trabalhos artísticos.

Discutindo sua paixão ao longo da vida pela fotografia na Galeria Atlas em Londres em uma prévia das fotografias do tomo, Mike disse: “Eu tiro fotos todos os dias. Porque você não pode não tirar fotos. A fotografia é algo que faz parte da sua alma.”

A edição de colecionador de MIKE McCARTNEY’S EARLY LIVERPOO’ está disponível em Mikemccartneybook.com agora.

‘ Alguns detalhes deste artigo foram extraídos da seguinte fonte www.yakimaherald.com

MARK DAVID CHAPMAN SAYS HE MURDERED JOHN LENNON FOR FAME: ‘EVIL IN MY HEART’

By Stephanie Nolasco, Fox News

ORIGINALLY PUBLISHED BY: Fox News

O assassino de John Lennon, Mark David Chapman, disse que atirou no amado Beatle porque "queria ser alguém e nada iria impedir isso".

O homem de 67 anos estava em liberdade condicional em AGOSTO e negado pela 12ª vez. Em uma transcrição divulgada à Associated Press na segunda-feira, o assassino disse às autoridades do estado de Nova York durante sua audiência que sabia que era errado matar o cantor, mas que estava em busca de fama e tinha "maldade em meu coração".

Lennon, 40, foi morto a tiros na noite de 8 DE DEZEMBRO DE 1980, quando ele e sua esposa Yoko Ono voltavam para seu apartamento no Upper West Side, na cidade de Nova York. Mais cedo naquele dia, Lennon havia assinado um autógrafo para Chapman em uma cópia de seu álbum recém-lançado, DOUBLE FANTASY.

Chapman comprou a arma três meses antes do tiroteio. Ele viajou do Havaí para a cidade de Nova York para cometer o crime.

Chapman disse ao conselho que assassinar Lennon era “minha grande resposta para tudo. Eu não seria mais um ninguém.”

Chapman admitiu que estava em busca de fama e tinha "maldade em meu coração".
New York State Department of Corrections via AP, File

“Não vou culpar mais nada nem ninguém por me trazer até lá”, disse Chapman. “Eu sabia o que estava fazendo e sabia que era mau, sabia que era errado, mas queria tanto a fama que estava disposto a dar tudo e tirar uma vida humana.”

“Isso era mau em meu coração”, disse Chapman ao conselho. “Eu queria ser alguém e ninguém iria impedir isso.”

O conselho citou a “consideração egoísta de Chapman pela vida humana de consequências globais” como o motivo para mantê-lo atrás das grades. Ao negar sua libertação, o conselho mencionou que a ação de Chapman deixou "o mundo se recuperando do vazio que você criou".

Chapman está cumprindo uma sentença de 20 anos de prisão perpétua na Green Haven Correctional Facility, em Hudson Valley, em Nova York. Ele repetidamente expressou remorso durante suas audiências de liberdade condicional ao longo dos anos.

“Eu machuquei muitas pessoas em todo o lugar e se alguém quiser me odiar, tudo bem, eu entendo”, disse Chapman.

O assassino de John Lennon, Mark David Chapman, disse em sua audiência de liberdade condicional que assassinou o músico porque "queria ser alguém e nada iria impedir isso".

Em JUNHO, John Hinckley Jr., que atirou e feriu o presidente Ronald Reagan em 1981, foi libertado da supervisão do tribunal, concluindo oficialmente décadas de supervisão por profissionais jurídicos e de saúde mental. Hinckley havia sido absolvido por motivo de insanidade. 

A próxima aparição de Chapman no conselho de liberdade condicional está marcada para FEVEREIRO DE 2024.
The Associated Press contributed to this report.

CreditLarry C. Morris/The New York Times - April 7, 1966

THE WARHOL MUSEUM HAS DISCOVERED AND DIGITIZED RARE MASTER TRACKS OF THE VELVET UNDERGROUND’S SEMINAL DEBUT ALBUM

O Warhol Museum descobriu e digitalizou faixas master raras do seminal álbum de estreia do Velvet Underground

BY TESSA SOLOMON - November 10, 2022 12:29pm
https://www.artnews.com/

Marque seus calendários com um novo feriado: as reflexões do Velvet Underground - em toda a sua glória crua - logo estarão disponíveis para audição.

O Andy Warhol Museum descobriu e digitalizou fitas master raras do álbum de estreia da banda de 1967, THE VELVET UNDERGROUND & NICO, da Verve Records.

As fitas monofônicas bobina a bobina de ¼ ”contêm versões alternativas e mixagens das nove canções iniciais que formaram a base do lançamento de 1967.

“Você está ouvindo o álbum como a banda pretendia originalmente”, disse Matt Gray, gerente de arquivos do Warhol em um comunicado. “A lista de faixas por si só é uma releitura do álbum. A qualidade do som é notável; dá-lhe uma nova perspectiva.”

Em 1965, Andy Warhol e o Velvet Underground, liderados por Lou Reed, formaram uma das colaborações artísticas mais icônicas do SÉCULO XX. Warhol descobriu os roqueiros de vanguarda e, atuando como empresário da banda, esculpiu-os em um ato obrigatório.

“Afinal, a ideia pop era que qualquer um poderia fazer qualquer coisa, então, naturalmente, estávamos todos tentando fazer tudo”, escreveu Warhol em seu livro de memórias de 1980, POPism: The Warhol Sixties. “Ninguém queria ficar em uma categoria; todos queríamos explorar todas as coisas criativas que pudéssemos - é por isso que quando conhecemos o The Velvet Underground no FINAL DE 65, também queríamos entrar na cena musical.

Warhol adicionou a cantora Nico ao grupo e fez deles a banda da casa de sua fábrica repleta de estrelas da arte, onde eles se destacaram fortemente em sua produção multimídia Exploding Plastic Inevitable. Em 1966, Warhol garantiu tempo de estúdio para o grupo gravar seu primeiro álbum no Scepter Studios. Na época, Warhol era um produtor relativamente independente, e sua primeira sessão de gravação profissional foi um triunfo experimental com uma granulação sônica que foi suavizada na cópia analógica posterior. A banda assinou contrato com a MGM/Verve Records em 1966 e as fitas master do Scepter foram remixadas e regravadas como THE VELVET UNDERGROUND & NICO - com a banana descascada de Warhol na capa.

O Velvet Underground, por toda a sua imensa influência na cultura pop americana, foi uma entidade de curta duração: em uma decisão contenciosa, Reed demitiu Warhol como empresário em 1967 e a partir daí, a banda rapidamente se desfez. As fitas master originais foram dadas a Warhol após sua estreia oficial e permaneceram inéditas até agora.

A gravação fará sua estreia pública em uma nova exposição no The Warhol em 2023...

Julian, filho de John Lennon, tira selfie com o 'tio' Paul McCartney durante encontro casual

O filho de 59 anos da lenda da música disse que foi "tão, tão adorável" encontrar o colega de banda de seu pai nos Beatles, Paul McCartney, em um aeroporto por acaso, postando uma doce selfie que os dois tiraram juntos.

13 Nov 2022 - By Alan Johnson Reporter - https://www.mirror.co.uk/3am/celebrity-news/john-lennons-son-julian-takes-28477035

O filho mais velho de John Lennon, Julian, expressou sua alegria no sábado, após um encontro casual com o ex-colega de banda de seu pai nos Beatles, Paul McCartney.

A dupla se encontrou no saguão de um aeroporto, levando o músico de 59 anos a sacar seu telefone e tirar uma selfie com a lenda de 80 anos.

Julian - a inspiração por trás da faixa do Fab Four 'Hey Jude', que foi escrita pelo próprio Macca - sorriu quando a dupla se inclinou para o snap em preto e branco.

Depois, acessando sua conta no Twitter, Julian declarou: "É incrível quem você encontra no saguão de um aeroporto! Ninguém menos que o tio Paul ... Tão, tão adorável, e quais são as chances ... Grato ...."

Julian e Paul se reencontraram por acaso em um saguão de aeroporto

Enquanto isso, em uma segunda imagem, Paul apontou para o álbum 'Jude' de Julian em seu aplicativo Spotify.

Os fãs foram rápidos em expressar sua alegria com o improviso, com um comentário: "Isso é tão bom, Julian! Realmente era para ser o seu encontro. Ele deve estar tão orgulhoso de você e seu novo álbum, você transformando algo que ele criou em algo tão particular e especial para você, simplesmente lindo!"

Outro escreveu: "Isso é realmente incrível. Suas energias definitivamente deveriam se encontrar naquela época! Que legal."

Um terceiro acrescentou: "Tão feliz que isso aconteceu! E ele está claramente nos dizendo para transmitir JUDE, então vou, mais uma vez."

E um quarto disse: "Que momento maravilhoso. Incrível. Enviando muita paz e amor para você e Paul."

Paul apontou o álbum 'Jude' de Julian no Spotify (Imagem: Twitter)

Julian, cuja mãe foi a primeira esposa de John, Cynthia, tinha apenas 17 anos quando seu pai foi morto a tiros por Mark David Chapman na cidade de Nova York em dezembro de 1980.

No início deste ano, Julian falou depois de assistir Paul realizar um dueto da faixa de 1969 'I've Got A Feeling' ao lado de John usando tecnologia de vídeo em sua turnê nos Estados Unidos em abril.

"Eu assisti no YouTube e meio que pensei 'Err... não sei se estou confortável com isso'. Isso me chocou", disse ele à revista Mojo.

No entanto, quando Macca se apresentou em Glastonbury no verão, ele declarou: "'Eu realmente gostei."

International edition
The Guardian -  https://www.theguardian.com/

Music - por Alexis Petridis

De mente aberta e verdadeiramente eclético: Nik Turner era o espírito de Hawkwind

A chave para o sucesso do Hawkwind... Turner no palco em Nova York em 1974. Fotografia: Linda D Robbins/Getty Images

Apesar de seu relacionamento às vezes turbulento com o resto da banda, o saxofone de Turner era parte integrante de seu som corajoso e catártico dos anos 70.

Nik Turner morre aos 82 anos

Mind expanded … Turner at the premiere of the Frank Zappa film 200 Motels in London in November 1971. Photograph: Evening Standard/Getty Images

Quinze anos atrás, a BBC transmitiu um documentário sobre a história do Hawkwind. Cabeças falantes atestam sua vasta influência e relembram o tipo de desventuras que tendem a acontecer com uma banda aparentemente existente em uma dieta composta em grande parte por LSD. Mas a coisa toda foi minada pela tristeza. Os membros sobreviventes do que geralmente é considerado a formação clássica do Hawkwind - aquele que gravou seu improvável single de sucesso Silver Machine e o extraordinário álbum ao vivo de 1973, SPACE RITUAL - se separaram, aparentemente de forma irrevogável. Claramente, havia muito pouco amor perdido entre o baixista Lemmy e seus ex-companheiros de banda, enquanto o único membro constante e líder de fato do Hawkwind, o guitarrista e vocalista Dave Brock, recusou-se a participar do documentário, “devido”, a narração anunciou sombriamente, “à participação de Nik Turner”.

O relacionamento de Turner e Brock há muito era turbulento, talvez marcado pelo desejo de Turner de ser notado em uma banda sem nenhum vocalista óbvio (Brock, Turner, Lemmy e o problemático letrista da banda, Robert Calvert, compartilhavam os vocais principais; outro letrista, o autor de ficção científica Michael Moorcock frequentemente fazia leituras no palco) e isso apresentava ao público muito para olhar: além dos músicos, havia o show de luzes psicodélicas de arregalar os olhos e a presença da escultural e frequentemente nua dançarina Miss Stacia para enfrentar. A primeira vez que Turner se separou do Hawkwind, em 1976, ele foi demitido depois de tocar seu saxofone sobre os solos e vocais dos outros membros no palco "apesar dos repetidos pedidos para não fazê-lo".

Quando Turner retornou brevemente no início dos anos 80, ele começou a se apresentar de patins enquanto usava uma meia fluorescente, aparentemente para o desgosto do resto da banda, e foi expulso novamente. Seja qual for o motivo subjacente, terminou no tribunal no início dos anos 2000, uma discussão sobre violação de direitos autorais e quem poderia ou não fazer uma turnê usando o nome Hawkwind que Turner perdeu: ele posteriormente registrou os direitos autorais do nome Hawkwind na América, impedindo Brock de fazer uma turnê lá. Os lados foram tomados entre outros ex-membros e fãs. Foi um final deprimente para uma parceria criativa. “Nik era o espírito da banda”, disse Moorcock. “Dave era sua espinha dorsal”.

Certamente, Turner foi um ingrediente chave no sucesso inicial de Hawkwind. Ele escreveu ou co-escreveu uma série das faixas mais duradouras do Hawkwind: You Shouldn't Do That, Master of the Universe, o incrível Brainstorm. Foi Turner quem convidou Calvert para a banda, um velho amigo de sua adolescência em Margate que tinha transtorno bipolar e passou a co-escrever, mas não cantou Silver Machine - ele havia sido seccionado enquanto a música era gravada - entre muitas outras músicas.

Foi Turner quem recrutou outro velho amigo, o “gerador de áudio” Dik Mik, um ex-traficante que criava “barulhos estranhos” usando um modulador de anel: ele também foi o responsável por recrutar a senhorita Stacia e o designer Barney Bubbles, que criou tudo do álbum do Hawkwind mangas ao design do cenário no palco. E, de acordo com a lenda, foi Turner quem colocou um baixo no pescoço do relutante roadie do Hawkwind, Lemmy, e respondeu aos seus protestos de que não podia tocar baixo com as palavras “apenas faça alguns ruídos no tom de E”.

Enquanto isso, o saxofone de Turner era parte integrante de seu som dos anos 70, rugindo junto com os riffs de guitarra - ele colocou o instrumento em uma sucessão de pedais de efeitos - ou soprando de maneira particularmente livre: Turner foi apresentado ao free jazz enquanto morava em Berlim em meados dos anos 60. Você poderia ter chamado essa última contribuição de solos, mas, pelo menos na gravação, sua forma de tocar não tinha as conotações grandiosas associadas a essa palavra: como os solos de guitarra que sempre foram ligeiramente enterrados na mixagem, ou os bips e uivos eletrônicos de Dik Mik produzidos, eles eram apenas parte do redemoinho sônico que Hawkwind gerou.

Mas o que Hawkwind realmente soava era o ambiente de onde eles cresceram: a terra hippie do oeste de Londres, no momento em que a contracultura do final dos anos 60 começou a entrar em colapso e o utopismo de All You Need Is Love se transformou em algo mais sombrio e raivoso. Eles eram uma banda que se apegava obstinadamente a alguns aspectos do idealismo hippie, incluindo a expansão psicodélica da mente e, pelo menos inicialmente, uma atitude desdenhosa em relação ao dinheiro: eles eram, seu empresário observou com tristeza, o tipo de banda que invariavelmente recusaria shows pagos. para fazer shows beneficentes gratuitos. Mas eles também deixaram bem claro que sabiam que o sonho utópico do Verão do Amor havia acabado. “Não vamos falar sobre amor, flores e coisas que não explodem”, dizia a letra de seu notório single de 1973, Urban Guerrilla, lançando uma referência desdenhosa aos Beatles: “Nós gastamos todos os nossos poderes mágicos tentando fazer isso na estrada.”

Havia uma tensão semelhante em sua música. Você poderia, se quisesse, traçar aspectos do som de Hawkwind até o verão do amor. A noção de rock espacial foi mais ou menos cunhada no álbum de estreia do Pink Floyd de 1967, The Piper at the Gates of Dawn - as vozes distorcidas e ecoantes da introdução ao vivo de Hawkwind, Earth Calling, soaram distintamente como um aceno para a abertura do referido álbum de estreia. faixa, Astronomy Domine - e quando Turner cantou, ele o fez com uma voz inglesa de olhos vazios, bem enunciada e muito de classe média, a menos de um milhão de milhas de distância de Syd Barrett do Pink Floyd. A propensão de Hawkwind para vocais cíclicos e intencionalmente repetitivos lembrou o famoso ad infinitum We Did It Again da Soft Machine. Mas aí as semelhanças terminaram. Hawkwind tinha pouco do capricho ou da maravilha infantil do Floyd da era Barrett e nada do amor da Soft Machine pela vanguarda intelectual: era altamente improvável que você encontrasse uma referência a The Wind in the Willows ou ao poeta simbolista belga Albert Giraud em um Hawkwind música.

Um pôster de show do 'O Dia em que a Música Morreu' - provavelmente o único a sobreviver - acaba de entrar para a história dos leilões, sendo vendido por quase US $ 500.000
A venda quebrou o recorde anterior, que só existia desde abril

Sarah Cascone, https://news.artnet.com/ - November 14, 2022

Este pôster do show de Buddy Holly and the Crickets "The Day the Music Died" de 1959 foi vendido por $ 447.000 em Heritage Auctions - Foto cortesia de Heritage Auctions
Este outro pôster de Bob Dylan de 1963 na Prefeitura de Nova York, autografado e rabiscado, foi vendido por US$ 68.750 na Heritage Auctions - Foto cortesia de Heritage Auctions.

Uma peça de memorabilia musical de THE DAY THE MUSIC DIED - quando um acidente de avião mortal matou as primeiras estrelas do rock and roll Buddy Holly, Ritchie Valens e J.P. "the Big Bopper" Richardson - fez história em leilões. O anúncio da parada da turnê WINTER DANCE PARTY no Moorhead Armory, em Minnesota, arrecadou US$ 447.000 no Heritage Auctions na sexta-feira, tornando-se o pôster de show mais caro já vendido.

A impressão de 3 DE FEVEREIRO DE 1959 é o único pôster sobrevivente conhecido anunciando o show da noite - a 12ª apresentação da turnê. Os três músicos morreram a caminho do show quando seu avião monomotor Beechcraft Bonanza caiu em um milharal perto de Clear Lake, Iowa, devido ao mau tempo.

Inacreditavelmente, o show continuou, com Bobby Vee, de 15 anos, substituindo Holly naquela noite, e seus companheiros de banda do Crickets, Waylon Jennings e Tommy Allsup, encerrando as próximas duas semanas da turnê. Mas a data do acidente tornou-se infame, imortalizada na canção de Don McLean em “American Pie”.

É altamente improvável que outro pôster do evento apareça. Os promotores do show originalmente colaram a peça efêmera que quebrou o recorde em um poste telefônico antes do show usando um adesivo, mas caiu. A data e o local estão escritos à mão com lápis vermelho acima do design impresso da Murray Poster Printing Co., de Nova York, que apresenta fotos dos três músicos.

Foto dos destroços do acidente de aviação conhecido como 'O Dia em que a Música Morreu' que ocorreu em 3 DE FEVEREIRO DE 1959, perto de Clear Lake, Iowa, matando os músicos de rock and roll Buddy Holly, Ritchie Valens e J. P. 'The Big Bopper Richardson . Foto do Conselho de Aeronáutica Civil, Departamento de Transportes dos Estados Unidos, domínio público

“Quantos eles poderiam ter feito?” Pete Howard, diretor de pôsteres de shows da Heritage, perguntou em um vídeo promovendo a venda. “É apenas uma cidade de 25.000 habitantes, Moorehead, Minnesota. Algumas dúzias ou algo assim, e quantos foram mastigados pelo gelo, granizo e neve no auge do inverno?

O pôster está em boas condições, sem grampos ou furos, apenas um resíduo pegajoso onde foi afixado no mastro. Um homem da manutenção o encontrou no chão e o pegou, guardando-o em seu armário pelos próximos 50 anos. Jim Cook consignou o pôster ao Heritage junto com 42 outras obras de sua coleção histórica de pôsteres de shows.

O recorde anterior para um pôster de show era de apenas $ 275.000, fixado no Heritage em ABRIL para a arte promocional do famoso show dos Beatles em 1966 no Shea Stadium.

“A Heritage está entusiasmada por quebrar o recorde anterior de um pôster de show em mais de US$ 170.000 - mas nem um pouco surpresa, dada a importância, a singularidade e a seriedade deste incrível cartão de janela, que anunciou a primeira tragédia do rock and roll”, Howard disse em comunicado.

A Heritage vendeu anteriormente uma placa de papelão de uma data anterior na WINTER DANCE PARTY em ABRIL DE 2020. O pôster promocional para o show de 25 DE JANEIRO no Kato Ballroom em Mankato, Minnesota, arrecadou $ 125.000.

A venda recorde foi o primeiro lote do “Leilão de assinaturas de memorabilia musical” da Heritage, que arrecadou um total de US$ 684.943. O segundo maior preço da venda de três dias foi alcançado por um pôster de 12 DE ABRIL DE 1963, anunciando o primeiro grande show de Bob Dylan em Nova York, com rabiscos e anotações manuscritas pelo famoso cantor folk.

MUSIC

Kurt Cobain’s smashed guitar sells for more than £400,000
Arun Starkey - https://faroutmagazine.co.uk/
TUE 15TH NOV 2022 

A guitarra que o falecido vocalista do Nirvana, Kurt Cobain, destruiu na primeira turnê da banda foi vendida por US$ 486.400 (£ 413.926) em um leilão, mais do que o dobro da estimativa original de US$ 200.000 (£ 170.174).

A Fender Mustang 1973 foi quebrada no palco por Cobain, quando a banda de Seattle estava em turnê nos Estados Unidos em 1989 e foi leiloada no Hard Rock Cafe de Nova York na sexta-feira, 11 de novembro, pela Julien's Auctions Icons and Idols: Rock' N' Roll  evento.

Cobain tocou guitarra apenas em dois shows durante a turnê de 1989, em 8 de julho no Club Dreamerz em Chicago e em 9 de julho no Sonic Temple Wilkinsburg, Pensilvânia. No final do show em Wilkinsburg, ele decidiu destruir a guitarra. Por consequência, após o show em Wilkinsburg, o Nirvana ficou com Sluggo Cawley da banda Hullabaloo, onde Cobain encontrou sua Gibson SG igualmente amassada.

Acreditando que poderia consertar a SG o suficiente para quebrá-la mais uma vez, Cobain se ofereceu trocar a sua guitarra pela de Cawley, um pedido que ele acabou aceitando. Notavelmente, Cobain escreveu nas seis cordas: “Yo Sluggo, obrigado pela troca! SE for ilegal para o Rock and Roll, jogue minha bunda na CADEIA… NIRVANA.”

Mais tarde, Cawley recontaria a história em 2020 ao falar com Innocent Words, conforme relatado pelos próprios Julien's: “Kurt me perguntou se poderia ficar com a Gibson SG quebrada que eu tinha pendurada na parede. Então eu disse, 'Claro, mas agora não vou ter uma para minha parede.' Kurt respondeu, 'Eu já volto.' Ele foi até a van e me deu um Fender Mustang 1973 que ele considerou irreparável. Em uma espécie de adoração simulada ao herói da guitarra, pedi a ele para autografá-la para mim.

Em outro lugar, em outubro deste ano, o espólio de Kurt Cobain criticou a Royal Opera House de Londres por adaptar o filme dramatizado de Gus Van Sant, Last Days. Rotulou a produção como uma “tentativa não autorizada” de explorar um relato fictício dos últimos dias do cantor do Nirvana.