6 DE DEZEMBRO

DANIEL AVERY SOBRE SÍNTESE MODULAR: “PARA MIM, É SOBRE TIRAR IDEIAS, NÃO TRABALHAR EM UM SOM POR DOIS DIAS”

“De acordo com minha experiência limitada, acho que minha paciência se esgota muito rapidamente.”

Foto de Sam Neill for MusicTech

by Oliver Payne - https://musictech.com/

O produtor eletrônico britânico Daniel Avery revelou que seu estilo de produção musical não é muito adequado para a natureza às vezes árdua da síntese modular.

Em uma entrevista recente para a MusicTech, o criador do Drone Logic e, mais recentemente, do Ultra Truth fala sobre sua abordagem de produção e por que ela não combina com a síntese modular. Ele também discute seus plugins favoritos, como criou atmosferas em sua música e os ensinamentos do falecido músico e remixer, Andrew Weatherall.

Sobre a longevidade da síntese modular, que pode ser um ofício complicado de dominar, ele diz: “Respeito totalmente o mundo da modularidade e acho que as pessoas que conseguem dominá-la podem produzir sons inacreditáveis. Pela minha experiência limitada, acho que minha paciência se esgota muito rapidamente. Se não consigo chegar pelo menos a meio caminho de onde quero com relativa rapidez, fico frustrado.

Ele passa a discutir seu processo de criação de uma faixa, mencionando como ele precisa ter ideias formadas rapidamente, em vez de ajustes extensos, como pode acontecer com sintetizadores modulares.

“Para mim, trata-se de lançar ideias”, diz ele, “e isso tem prioridade sobre trabalhar em um som por dois dias. Eu geralmente tenho uma regra no estúdio: se uma faixa não tomar algum tipo de forma em um dia, provavelmente será descartada. As coisas são trabalhadas por muito mais tempo do que isso, mas se o esqueleto de uma faixa não se formou nesse período, geralmente não funciona para mim.

Ainda na entrevista, Daniel Avery elogia os plugins que tem usado recentemente, como o efeito de sintetizador de fita M Saturation da MeldaProduction. Ele também discute o uso do sintetizador Strega de Alessandro Cortini e explica como ele transformou o chiado de equipamento vintage em atmosferas em seu novo álbum, ULTRA TRUTH.

DANIEL AVERY: “EM VEZ DE ESCONDER COISAS QUE PARECEM SER ERROS, EU COLOCO-AS À FRENTE… ISSO É MUITO IMPORTANTE PARA MIM”

Como o produtor britânico canaliza a atmosfera, a síntese, os ensinamentos de Andrew Weatherall e a pista de dança em seu sexto álbum, Ultra Truth.

Daniel Avery está sentado dentro de uma caixa de metal. Seu estúdio em Thameside fica em um contêiner de transporte reformado, onde ele trabalha há uma década. Da janela, ele pode ver a O2 Arena e as torres de Canary Wharf, que se alinham como um equivalente construído de um equalizador gráfico. A vista mais bonita, diz ele, é do próprio Tâmisa e, rio abaixo, dos teleféricos de Woolwich, que parecem “pequenos pontos atravessando a água”. “É muito calmo e tranquilo”, diz o DJ e produtor nascido em Bournemouth. “Há uma sensação de estar sozinho e sereno. Eu tento descer o máximo que posso, mesmo quando não tenho intenção de fazer música. É um lugar onde posso ouvir adequadamente o que estou fazendo.”

O processo de escuta de Avery ocorre em dois estágios. O primeiro é o tipo de escuta que ele faz quando está trabalhando em seu esconderijo de metal, acalmado pela subida e descida do Tâmisa. A outra vem quando ele está em movimento - e, dada a sua agenda lotada de DJs internacionais e shows ao vivo, que incluiu uma recente turnê com o Nine Inch Nails, ele está em movimento com bastante frequência. “Sempre lutei para fazer música enquanto viajo”, diz ele, “mas ouvi-la e absorvê-la, isso acontece ao caminhar, voar ou em um trem”. É, diz ele, a “fase de audição mais crucial” de um álbum.

ULTRA TRUTH, seu sexto álbum, atingiu o topo das paradas de dança do Reino Unido após seu lançamento em NOVEMBRO. A jornada de Avery começou com DRONE LOGIC de 2013 e inclui compilações de mix notáveis para Fabriclive no mesmo ano e DJ Kicks em 2016, bem como o álbum ambiente colaborativo de 2020 com Alessandro Cortini do NIN, ILLUSION OF TIME. O novo disco foi produzido com os colaboradores de longa data Ghost Culture e Manni Dee, e apresenta uma série de amigos e familiares que fornecem vocais e trechos de fala gravada, tudo habilmente entrelaçado no techno de estado de sonho de Avery, breakbeats e profundo encharcado de drones.

Uma delas é Kelly Lee Owens. A produtora eletrônica galêsa e Avery se conheceram quando ambos trabalhavam na Pure Groove Records, quando ele se mudou da costa sul para Londres. “Ela era a voz de Drone Logic há 10 anos e foi bom completar o círculo, agora que ela é uma superestrela de boa-fé por si só”, diz ele. Depois, há HAAi, “um amigo muito querido”, que participa de Wall of Sleep e Chaos Energy, e Jonnine Standish de HTRK, em Only. “Muitos círculos foram concluídos neste álbum, o que é uma das coisas mais agradáveis.”

O resultado desses círculos completos é um mundo sonoro que é meditativo e propulsivo. Ouvir ULTRA TRUTH é mergulhar profundamente na emoção e no humor. Está quente, mas há tons de tristeza. “Eu queria colocar fogo. Eu queria que soasse como se estivesse em chamas”, diz Avery. “Todas as arestas estão distorcidas. Cada tambor é levado quase ao ponto de ruptura. Não no sentido agressivo, mas na forma como há beleza nessa distorção. Isso remonta ao meu amor por muita música de guitarra e especialmente shoegaze. Há beleza dentro dessas chamas.”

Outra palavra que ele usa é “cavernoso”, um efeito obtido por meio do uso criterioso de reverberação. “Camadas e camadas de reverberação e diferentes caudas de reverberação alimentando umas às outras e tocando umas às outras para aumentar essa profundidade e aumentar a sensação de que este álbum é alto”, diz ele. “Mesmo quando você está ouvindo com fones de ouvido, soa maior do que o espaço em que você está sentado.”

É um som que canaliza uma vida inteira absorvendo música da pista de dança, especificamente de clubes de techno. “Essa ideia de colocar tudo dentro de uma enorme catedral ou caverna vem do techno, de estar dentro de uma boate e ouvir um bumbo que soa como se tivesse 30 metros de altura. São duas das minhas principais paixões se unindo – o fogo de um disco shoegaze e a profundidade de um clube techno.” A última vez que Avery passou um tempo sério na pista de dança do clube foi no Berghain. “Fui com minha namorada – era a primeira vez dela naquele prédio. Passamos um tempo desumano naquele lugar, mas adoramos cada segundo. Aquele lugar é como nenhum outro.”

Avery reconhece que algo particular acontece quando você está ouvindo e se movendo ao mesmo tempo. “Há algo muito primitivo nesse sentimento. É muito libertador.” Ele faz uma pausa. “Qual é a linha da Madonna? ‘Só quando estou dançando é que me sinto tão livre’? É verdade. Pode se tornar um clichê, mas todos dentro de um clube estão em busca de algum tipo de energia superior, algum tipo de poder superior e essa busca, quando acontece em um ambiente comunitário, é algo que quase não pode ser descrito. Não é como dançar sozinho. Deve remontar a milhares de anos, compartilhando a busca por algo e movendo-se ao mesmo ritmo do tambor.”

Foi a música das sessões pós-clube do início dos ANOS 1990 que primeiro despertou o interesse de Avery pela eletrônica - os sons de Autechre, Aphex Twin e da série Warp's Artificial Intelligence. “Para mim, quando criança, parecia uma música alienígena, completamente futurista, mas ao mesmo tempo havia melodia e beleza, então havia um elemento humano ao qual me agarrar. Sempre teve musicalidade suficiente e uma música dentro de tudo para que você pudesse se apaixonar pelo som.”

Ele pode ter se apaixonado por esses sons, mas não é cego para a realidade. O mundo para o qual a música foi feita não existe mais. Os produtores da DÉCADA DE 2020 – e seus ouvintes – precisam de músicas que reflitam o mundo como ele é hoje, com todas as suas altas e baixas intensas. O hardware do passado, porém, ainda pode desempenhar um papel importante em sua fabricação. Avery está sentado na frente de seu Roland TR-808 (“um dos meus bens mais valiosos”), Roland SH-101 (“uma parte integrante de tudo que já fiz”) e Roland JX3P (“Adoro o calor dos pads e camadas de som realmente lindas”).

Ele é claro sobre como quer usar um kit vintage. “A coisa mais emocionante para mim são as interseções onde o velho e o novo se cruzam”, diz ele. “Pegar equipamentos antigos e alimentá-los com novos processadores e plug-ins e ver o que sai do outro lado. Acho que há algo realmente mágico nisso.”

Os plugins modernos que ele prefere incluem o Crystallizer da Soundtoys, que ele usa para criar lindas e harmônicas camadas de pads. “Tem uma qualidade angelical real, um som realmente satisfatório”, diz ele. Ele também é fã do FabFilter Saturn, que combina EQ e distorção. “Estou sentado na frente de um verdadeiro [Roland] Space Echo, mas, como acontece com qualquer coisa tão antiga, a manutenção se tornou bastante difícil”, explica ele, acrescentando que a empresa de soluções de áudio do norte de Londres, Funky Junky, ocasionalmente o ajuda com um kit decrépito.

“Adoro a ideia da saturação de fita, mas estava ficando frustrado com o fato de não funcionar na metade do tempo. Existe um plug-in chamado M Saturation da MeldaProduction, que eu descobri que oferece uma replicação bastante satisfatória da saturação de fita, algo que pressiono bastante em tudo. Sua faixa com Manni Dee. Enquanto isso a noite fica mais escura, apareceu no recente álbum STREGA MUSICA de Make Noise – uma compilação de músicas feitas no Strega – ao lado de faixas de Caterina Barbieri, Julianna Barwick e Daniel Miller. O Strega é um sintetizador de desktop analógico patchable construído pelo colaborador da Avery, Alessandro Cortini. “Não sei como ele conseguiu, mas ele colocou sua personalidade em um pouco de equipamento eletrônico”, diz Avery. “Faz um barulho muito bonito.”

Avery é menos efusivo sobre a síntese modular. “Respeito totalmente o mundo do modular e acho que as pessoas que conseguem dominá-lo podem fazer sons inacreditáveis”, diz ele. “De acordo com minha experiência limitada, acho que minha paciência se esgota muito rapidamente. Se não consigo chegar pelo menos a meio caminho de onde quero com relativa rapidez, fico frustrado. Para mim, trata-se de lançar ideias, e isso tem prioridade sobre trabalhar em um som por dois dias. Eu geralmente tenho uma regra no estúdio: se uma faixa não tomar algum tipo de forma em um dia, provavelmente será descartada. As coisas são trabalhadas por muito mais tempo do que isso, mas se o esqueleto de uma faixa não se formou nesse período, geralmente não funciona para mim.

Ele está fortemente em criar atmosfera, no entanto. Parte disso é fornecido pelo microfone de contato que ele usa para gravar o som de barcos passando na água ou o que quer que esteja acontecendo fora de seu estúdio, uma técnica que ele usa nos últimos anos. “Isso se tornou uma parte muito importante do som, apenas criando uma atmosfera”, diz ele. “Transformando-o em uma atmosfera ou um assobio ou uma espécie de névoa que pode pairar sobre o disco. Não é algo que você sempre pode identificar sonoramente, mas você pode sentir, e quando você tira isso, uma faixa pode parecer vazia.”

Além disso, Avery destaca algo que a escola técnica de música – “que eu não frequentei” – tradicionalmente ensina os alunos a esconder: o chiado de equipamentos antigos. “Em vez de esconder coisas que podem parecer erros, eu as empurro para a frente, empurrando o silvo, empurrando a distorção, empurrando a atmosfera que um equipamento antigo pode criar; isso é muito importante para mim.

Agora, Avery está levando o álbum – e essa atmosfera – para a estrada, com shows ao vivo em Paris, Londres e Glasgow. O primeiro gosto de ULTRA TRUTH, porém, veio na forma de Lone Swordsman, que Avery fez em homenagem a seu amigo Andrew Weatherall, que morreu em FEVEREIRO DE 2020. Weatherall foi reverenciado durante sua vida e sua importância cultural só foi ampliada desde sua passagem prematura. A faixa de Avery soa como a presença de uma ausência, toda perda e calor e tons de Smokebelch II de Weatherall, lançado em 1993 como Sabres Of Paradise. É uma expressão sônica de pesar e gratidão, tudo junto.

Weatherall era um grande leitor e compartilhava recomendações com Avery. Um deles foi LONDON FOG: THE BIOGRAPHY, de Christine Corton. “É sobre a história do nevoeiro sobre Londres, particularmente na época vitoriana, e como isso informa muita arte e cultura que surgiu disso. O que eu tirei disso – e este é um ensinamento muito Andrew – é que você não pode deixar de ser quem você é”, diz ele. “A melhor coisa sobre Andrew, para mim, e o legado que ele deixou para trás, foi a ideia de ser sempre você mesmo ao produzir e perceber que as tendências vêm e vão, os estilos aparecem e desaparecem, mas se você pode produzir algo que soe como você, seja qual for o gênero, você está indo bem.

“Qualquer um que conhecesse Andrew entenderia que ele não se considerava nenhum tipo de mentor ou professor ou algo assim. Ele zombaria dessa ideia. Em vez disso, ele apenas deu o exemplo, apenas sendo ele mesmo o tempo todo e permitindo que sua voz fosse ouvida na música, qualquer que fosse a forma que ela assumisse. Poderia ter sido pós-punk ou um disco de clube psicodélico ou algo que continha alguma palavra falada. Sempre foi ele, e você poderia dizer imediatamente. Isso é o que eu acho que é o legado dele, e é isso que eu tirei dele.”

Avery é atraído de volta para seu estúdio de contêineres e a vista de dentro. “É um sentimento muito espiritual simplesmente colocar um disco e sentar e assistir, e lembrar a si mesmo que fazer música é importante. Mas, em última análise, apenas sentar e ser é muito mais importante.”